Que les images de stéphanie Buret soient proche ou loin de nous, c'est à chaque fois une invitation au voyage qu'elle propose.

C. du Plessix

L'Egypte telle qu'on ne la connait pas ou peu... à la recherche de la sagesse? du bonheur?

C. du Plessix

Marie-Pierre Fontaine fait de l'art depuis longtemps. Depuis tout aussi longtemps elle en fait un mode de vie, au sens où créer des objets d'art gouverne sa vie entière et est devenu au fil des ans un espace de rencontre avec les autres tout autant qu'un lieu de vérité avec elle-même. Ceci se peut, au départ, par et à travers sa manière de travailler : la porte de sa maison atelier est en tout temps ouverte sur la rue, été comme hiver; une table basse et trois fauteuils au milieu des oeuvres et des accessoires officient comme lieu de rencontre et de discussion, débordant souvent de l'espace domestique pour accueillir dehors, dans sa rue piétonne située au coeur du vieux Tours, ses voisins, des passants ou encore de vieux amis de passage qui prennent plaisir à faire une pause et prendre le pouls du monde en ce lieu minuscule. C'est dire combien chez Marie-Pierre Fontaine faire de l'art est un choix de vie à part entière, un engagement quotidien, un choix profondément existentiel : elle répond jour après jours à cet impératif à la fois si exigeant et si personnel et néanmoins si fondamentalement désintéressé qu'est celui de « faire de l'art ». Car dans la nécessité toute personnelle qu'il y a de créer des oeuvres et qui répond de raisons intimes indéchiffrées et indéchiffrables, dans cette « nécessité intérieure » de faire de l'art, pour reprendre le mot de Kandinsky, le processus de création dépasse totalement et absolument l'acte égotiste d'expression d'un soi. Il devient un mode de partage, il se fait le moteur d'une interrelation d'affects, sur le pouvoir de transfiguration du quotidien par la créativité.

En cela, il n'est pas anodin que les oeuvres que crée Marie-Pierre Fontaine se rattachent pleinement à ce qu'on appelle l'art brut. Elles sont le résultat d'un assemblage d'éléments de provenances diverses. Glanés ça et là, ils engagent chez l'artiste une sorte de quête continue et légère du regard et de l'esprit, une sollicitude omniprésente et jamais dirigée du sens créatif pour trouver, là dans un vide-grenier, là dans une brocante hebdomadaire de quartier, là dans un magasin de tout-venant « made in China », les composantes « ready-made » d'assemblages en devenir dont elle n'a que la ligne directrice ( la série des Madones, la série des chiens assis, la série des Spiderman ). C'est donc à partir de ces éléments diversifiés – statues en plâtre de la Vierge, perles de verre, coquillages, plumes de paon et d'oiseaux de mer, pièces de tissu, animaux en faïence ( bergers allemands, caniches, panthères ) petits animaux en plastique... - et partout un travail méticuleux de retouches de peinture et de vernis que le processus créatif intervient et se déploie sous la gouverne de la liberté d'imagination et d'un sens personnel assumé du beau et de l'harmonie.

C'est pourquoi l'art brut comme celui de Marie-Pierre a ceci de particulier qu'il amplifie au maximum ce que l'art en général produit : s'imposer d'amblé comme appel – appel de l'appréciation d'autrui – et comme don de soi à l'Autre, c'est-à-dire comme espace d'interaction fondamental avec autrui. L'art brut provoque cette amplification des « effets » de l'art en s'ébauchant à même certaines limites et en brouillant celles-ci pour engendrer une sorte de vérité essentielle : il interpelle les conventions artistiques (qu'est-ce qui est de l'art et qu'est-ce qui n'en n'est pas).

il sollicite expressément la sensibilité esthétique (qu'est-ce qui nous apparaît beau et qu'est-ce qui nous apparaît laid?), il fait interagir de façon fortement critique forme et contenu, forme et signification, convenu et originalité, sérieux et ludisme. L'art brut travaille continuellement à remettre en question le spectateur, ses conventions sur l'art, sur le beau, sur l'originalité créatrice, sur la puissance de liberté de l'imaginaire. Il pose ainsi à voix haute et grave les deux questions essentielles sur l'art – ce qu'est l'art, d'une part, et le pourquoi de ce pouvoir de réflexion profonde que l'art provoque chez le spectateur, d'autre part – et il les pose de manière absolue, est-on tenté de dire. Certes l'art brut est vu traditionnellement comme l'art des artistes qui travaillent à des oeuvres «  de toute une vie », « ouvertes », infinies, disproportionnées : il est celui des originaux, des illuminés qui ne ménagent pas leur peine dans la réalisation de leur oeuvre (que l'on pense au facteur Cheval), il est aussi l'art dit des fous, des psychotiques qui s'investissent totalement et répétitivement dans des dessins denses, touffus. Lorsqu'il est revendiqué par les artistes contemporains comme ce fut le cas avec Dubuffet, l'initiateur,il se fait alors art de la matière brute et de l'origine du monde, ou ultérieurement, avec les artistes de l'arte povera par exemple et plusieurs autres artistes des décennies postmodernes, art des matériaux « pauvres », quotidiens, anodins : mais toujours il se fait vérité de l'acte créateur. Ce que dans sa démarche Marie-Pierre Fontaine assume de cet emprunt de l'art contemporain à l'art brut tient justement à l'attention toute particulière portée au matériau de l'oeuvre , à ce souci de faire résonner le matériau propre : chacun des éléments constitutifs de ses oeuvres a une identité propre, parfois forte (voile de la Vierge en tissu de camouflage militaire), qui participe pleinement à donner sa force d'impact symbolique à l'objet global crée. Dans sa création, c'est-à-dire tant dans son acte de création que dans les objets d'art qu'elle produit, Marie-Pierre Fontaine se trouve ainsi à assumer pleinement l'autre aspect mis en avant par Dubuffet : la revendication de liberté de l'imaginaire. Elle concrétise très personnellement ce principe essentiel de liberté de l'imaginaire dans l'art – qui se montre avec tant d'évidence dans l'art brut – à travers le principe d'association libre qui sous-tend le choix et la combinaison des diverses composantes de ses oeuvres. Par là, ses oeuvres nous réapprennent à nous-mêmes, spectateurs, le sens de ce qu'est la liberté de créer.

Christine Dubois

(Christine Dubois détient un doctorat en théorie et histoire de l'art de l'Ecole des hautes études en sciences sociales à Paris. Elle est critique d'art depuis de nombreuses années, collaborant régulièrement à des revues d'art contemporain et des catalogues de musées.)

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L’épopée de Gilgamesh

L’Epopée a été écrite en Babylonie, située entre l’actuelle Bagdad et Bassorah, il y a environ 35 siècles, dans la langue usuelle qui prévalait à cette époque : l’akkadien. Son ampleur, sa force et son souffle impressionnent toujours le lecteur.

Gilgamesh , était roi d’Uruk (mesopotamie) qui d’après certains aurait vecue il y a  environ 4000. ans. Il est a l’origine du premier texte littéraire de l’humanité dit-on. Il est certainement à l’origine de la légende d’ Heracles. C'est  un homme qui ne voulait pas mourrir et qui chercha toute sa vie le secret des dieux.

"Au terme d’un épuisant voyage, où il affronte et tue un monstre, mi-scorpion, mi-dragon, pour accéder au monde souterrain il parvient sur le mont Mashou auprès du seul homme auquel les dieux aient accordé l’immortalité, Ut-Naparish-tim, le survivant du Déluge. Sa femme révéla à Gilgamesh l’endroit où se trouvait une plante restituant la jeunesse. Il la trouva et décida de la ramener à Ur pour l’essayer sur un vieillard. Sur le chemin du retour, désireux de se baigner, il la posa par terre et un serpent la mangea. C’est pour cela que les serpents muent. Et on se mit à élever des temples au dieu-serpent, symbole de la vie. 

Gilgamesh réalisa alors que l’immortalité n’était pas accessible à l’homme mais que ses actions lui vaudraient une gloire éternelle. Mais les possibilités qui sont révélées à Gilgamesh lui échappent en définitive. Il reviendra finalement dans Ourouk, les mains vides, et y attendra avec résignation le jour où, à son tour, il descendra chez les morts, dont l’âme évoquée d’Enkidu lui révèle, dans le dernier chant du poème, la vie que ceux-ci mènent sous la terre."

Karim SAIFOU dans une série de 3 tableaux nous retrace cette épopée,  mythologie de son pays, l'Irak.

Son support évoque la peau du serpent sur lequel des caractères sumériens marquent l'histoire.

Une très belle symbolique qui n'a rien perdu de sa valeur en des temps ou la quête de la jeunesse est à nouveau d'actualité.

Ces tableaux sont exposées à la galerie Art'et Miss jusqu'au 28 juin.

Si une artiste devait faire partie la nouvelle exposition collective de la galerie Art’et Miss sur le thème « Art, lumière et spiritualité », c’est bien Maureen Rosilio. Familière de la galerie, messagère de la culture juive et de sa diversité, elle est cette fois-ci doublement présente.

Avec Art Judaïca, elle nous fait nous fait partager son image de la religion juive, en soulignant parfois les archaïsme et parfois la modernité. Quotidien, fêtes, mariages… Maureen Rosilio dresse un portrait de sa culture qui ne manque pas de rappeler les toiles de Chagall à qui elle emprunte les couleurs, le tracé, les symboles. Ici, un violon nous emmène dans l’imaginaire yiddish, là une mariée fera raisonner le son du verre brisé pendant la cérémonie. En un mot, Maureen Rosilio joue avec nos sens : de ses tableaux émanent des odeurs, des chants, des danses… elle fait rayonner la liturgie de sa culture.

Tradition et modernité, sont décidément des notions chères à l’artiste. En effet, c’est dans cet état d’esprit que ses portraits des stars juives d’Hollywood sont exposés à la galerie. Tradition parce que Charly Chaplin, Audrey Hepburn, Clarke Gabble sont devenus de icônes, sont porteurs d’un héritage. Modernité parce qu’à leur époque déjà, ces membres de la famille du cinéma étaient des symboles de progrès et d’avant-garde, chacun à leur manière.

Ainsi, Maureen Rosilio nous propose, au travers de son art, de découvrir la lumière et la spiritualité de sa culture, faisant de ses œuvres les messagères de son héritage.

C. du Plessix

L’exposition est à découvrir jusqu’au 28 juin 2009 à la galerie Art’et Miss

Retrouvez les œuvres de Maureen Rosilio sur le site marchand